陈雨光美学专著 | 美 的 选 择 范畴：艺术的定向 第四章：精神象性 （上）
第十届全国美展优秀作品获奖画家 李蒸蒸《重彩工笔设色·陈雨光先生》65×53cm
陈雨光（憨牛），农历1949年生。选择美学与中国画视错觉学说创始人。先后获得过十余项科研成果奖（包括国家级课题）。在经济、数学、计算机、美学、哲学、逻辑等跨学科领域，出版有十数部专著，发表有数百万字论文。其主要艺术哲学类代表著有《美的选择》、《视错觉》、《美的致生范畴》、《艺术的定向》。书画鉴评本《唐诗三百首书画集》、《宋词三百首书画集》、《元曲三百首书画集》、《中国当代花鸟画作品精选》、《中国当代工笔画作品精选》；策划组织了《中国画三百家》。
《美的选择》集数十年努力，首次在国内从艺术哲学的角度，对中国画学科体系的确立做出了两大基础性探索：第一，定义且回答了“何为中国画”，揭示了“察觉不到光线作用的绘画法则”。第二，创立了以视错觉动向力发生学为内核的选择美学，从整体论的范畴论，定义了“何为美”。
著作者是至今唯一耗时八年、约集了三百多书画名家，编写出版了填补空白的书画鉴赏版《唐诗、宋词、元曲三百首书画集》的诗评鉴赏家。
基于当代艺术家的深度交谊和研究，著作者在珍藏的《元曲三百首书画集》中，共获得百多位专业画家的大力支持，并收到了310幅精心创意的绘画原作。现今，许多书画大家己故世。随日时移，这部著作中的创作真迹和笔墨文范，己成为理解艺术的无法再获的瑰宝，尤其数次展览所引起的轰动，更证明，作为国粹的“诗词曲/书画文”的超越时空的神圣的崇高。
美的选择 · 范畴：定向·性知觉
（陈雨光美学专著）
目录
第一章：眼睛中的思想
第二章：知觉动向力
第三章：性知觉
第四章：精神象性
第五章：整体的特殊
中国百家金陵画展·金奖画家 李金生《生命之海》66×95cm(憨牛居藏珍）
引言一一取向科学：中国画一次有意义的实验
思考艺术的定向，让我瞄准了《生命之海》。
《生命之海》，是我多次引用的极为重要的画作，意义不是获奖，而是偿试让中国画迈入现代，做一次貝有科学价值的实验——取向平面。
我邀请了著名艺术家李金生，他1998年获文化部第八届群星奖美术大展优秀奖，2009年在中国百家金陵画展中获金奖，2009年入选第十一届全国美术作品展。他让我无法忘记的作品是《大漠之光》。
金生非常认真。实验以一张三人裸女入海照为背景，不设计素描稿，直接使用当时世界流行的人体实模，且不做任何理想化比例修正，自然切入。我设计了三层基图，最后因时间和难度，完成了两层多，用时三个多月，基本达到超预想程度。十几年过后，这幅作品仍县前瞻性。
实验出发点：
世界美术有一个取向科学的过程，面对的是三大思考: 色相分离、层级递进、平面拼贴。
陈雨光《非光影空间中的圆形、方形与三角形》
——色相分离
视觉物象是光照呈现出的质地面貌一一色彩组织。物象知觉的视感，是光谱有序排列的结果。有序排列的本质是不同波长光谱彼此分离。因此，西方长达600年以上的色彩革命，其实只干了一件事：认知色相环。
色相分离，对于中国画，传统的方式是"边线十平涂”。但现代的理解，是整形系色相的組合。取向科学的第一大思考，是整体作为结构组合的理念——色彩组织本身就貝有空间感。对于中国画这具备比较借鉴意义。分离的关键，是不做传統线性切割一一即轮廓边际线。边际线是图底色相分离后的中间过渡色相的形条。
陈雨光《柔》(色相分离与凹凸晕染》
——层级递进
平面造像的基本原理，是图与底的空间分裂，所以，文艺复兴的一切努力，都是理解深度上的层次。最简单的造像，基本展次也不会少于两层。表层的图，会成为次层的底。特别是对公共关系的处理，更有诸多科学的想象。构图最有价值的所在，便是创意空间。取向科学不同于以往的眼光，是使用凹凸对比造意空间，从而一个没有深度的结构，让艺术告别了过去。
金生面对的空间，尤如《捣练图》。之前，我发表过一篇十分重要的论文《重迭透视一一中国画的基本格局》，我是国内第一个研究重迭性范畴的求索者。这方面的研究孤独，十分严重。因为，除我之外，沒见到再者的文献。但重迭性对于递阶层级而言，具有基础的意义。尤其中国画的空间结构，更离不开重迭与平移。
陈雨光《女人与几何》
——平面拼贴我发现的基本原理：重迭的必然是拼贴。
取向科学的第三大思考，是用拼贴抵消平面中的深度。他发现凹凸结构设计可使用的一种技巧，这种技巧的特征在于从整体上审视它是全新的，但组成它的每个部分却是原有的。到了古里姆特时代，后现代主义已对进步与发展，有了不同于以往的眼光。对过时状态的改变，也许自欺欺人，但对“原有”巧妙地运用——排列组合，或者会收到新的效果。
艺术家李金生，用平面是背景重迭的原理，构设了画图。正是缘此，本有深度的照片，成为平面拼贴。十几年过去，《生命之海》实验意义还应当反复深入。启码，至今，尚无这种能从科学角度清醒深度解析中国画取向现代的学术与前沿。
裸体、青春、浩海、生命，金生表现的，是存在的活力，是与大海广宇的交流。
陈雨光《拒绝看到光线的拼贴》
动向力的知觉结构是艺术心象的情境场
——陈雨光
1850——相机-结构-野兽-立体
《美的选择》指出世界美术史的重要划代一一1850年。
我多年坚持一个观点，至今，国人的艺术欣赏能力，仍滞留在1850年以前。
2018年，我在奥塞美术馆，礼拜古典主义的最后圣作一一《泉》。这幅耗用40年时间，把一切美感想象简化为一身的春之仙女，于1856年，经安格尔一生的努力，为美的范畴划出了新的句号——清高绝俗和庄严肃穆。至此，一个时代永远地结束了。
让安格尔万万无法想象的，是被奉为圣典的取向深度的自然视觉法则，随着《泉》的问世，不再成为标志另一高峰的文注。世界美术史，在1850年，又迈出了不同于以住的一步。
这一步，我十分慨叹。我成了更坚定的“学术专业”的孤独客。
对于这样一个美朮史的大变迁，国内可查专业文献，除我之外，没有一著，如此认真系统地从学术专业角度剖析这一深刻断代的至因。为何1850年前的院体主流艺术，在之后，没有了影响，取而代之的——现代主义，又怎样从非院体角度，扛起了世界美术史新的登顶大旗。
安格尔《泉》
为什么孤独，就因为若同导师一一阿恩海姆的亲身感受：目今，空头理论甚嚣尘上，一些毫无专业素养的“美盲大师”，使用离美木专业十万八千里的连他自己也不明白的词语，糊弄只想使用耳朵、却无能力使用眼睛的泛众，以至，糊弄成为理论，忽悠成为学术，人云成为思想，眼睛成为废物。
所以，1850，到底意味什么？没人关心。人们茶余饭后，津津乐道的是《玩纸牌者》凭什么又卖出了14亿，人民币！
塞尚的价值在哪?
还记得本书《眼睛中的思想》，提及的伟大的丢勒吗。他是用相机投影的逻辑，诠释绘画的几何数理，应该说，人类为了在平面中实现三度错觉，努力了几千年，即1850年前，艺术是光线照射法则，地平线-高光-阴影，是一切专业的学术。莫奈的伟大，是把投射光的定向，目标为反射光。
因此，1850之前，无论艺术法则怎样变，都离不开光，离不开深度。
1850年之后呢?
陈雨光《啊!昭君湖》摄于20210615新疆赛里木昭君湖
《钗头凤-昭君赛里木》
西洋泪，雪山矜，天落蓝宝卧舒吟。白云唱，蓝天馨，一湖静谧，几见浪芯。泌！泌！泌！
1851年7月10日，发明巨匠达盖尔，在巴黎过早地离开了人世，享年64岁。达盖尔对于人类进步的最主要的贡献，在于发明了达盖尔式照相法，一种最早的实用摄影方法，以及后来据此原理而研制成功的世界上第一台照相机。
相机的问世，让排徊在十字路口的世界美术，选择了新的定向。
艺术开始了非光线法则、取向非深度的平面化、拼贴化。
精致描述光线的相机，让千百年来幻真错觉的光线绘画法则退出舞台，这，本身就是一个历史的喜剧，也是用光来嘲讽的选择。不知伟大的丟勒与布鲁内莱斯基，有何感想。更不知那些所谓的“美盲大师”，能明了这段历史划断的专业学术致变吗？启码今天，尚未看到他们有专业见识的文字，他们仍在从事可耻的糊弄与忽悠。
1839年1月19日，在一个由帽厂主成为银行家的商业世家中，诞生了一个叫塞尚的婴儿。他的诞生，是世界美术史，自相机问世后，最重大的事件。因为：
塞尚是现代艺术之父。
塞尚
把造像理解为用色彩空间构成世界的婪幻，这是告别“印象”的最重大选择。
造像不再是写状真实的错觉，也不满足眼睛中的印象，后印象主义，开始把艺术的定向，目标为生命的内在结构和意义。
1850年，后结构主义的色彩空间，用塞尚的名义，打开了艺术前无古人的想象。
造像，再一次沒有了光线，没有了地平线，没有了深度，没有了透视的稳定感。好象回到了部落时代。
1905年的巴黎秋季沙龙，在一群野兽中间立着一位真正的艺术家，时为35岁的——马蒂斯。他说：“如果塞尚是对的，我就是对的。”老师莫罗对绘画色彩的主观性论述，给马蒂斯很大影响：“美的色调不可能从照抄自然中得到，绘画中的色彩必须依靠思索、想象和梦幻才能获得”。这些叛逆，在主流眼中，却是迷茫。35岁马蒂斯的沙龙境况，不用问，肯定遇到了众人的一片白眼。在骂声嚣嚣中，只有一个人的慧眼，让他从钱包里掏出钞票，取走了两幅作品。当然，这位兴运者，要很久以后，才会体验，这是一个奇迹的开始。
思索、想象和梦幻。
马蒂斯认为：绘画，就是在一块平面上，有韵律地安排线条和色彩。平面，让艺术世界有了新的史诗——《生命的愉悦》。这是我多次引用的画作，读懂十分难，因为，它本身是一部美术史。
画中扭曲的形体与蜿蜒起伏的曲线，显示出与新艺术运动的某种联系；在画面的最左边，那个被常春藤所缠绕的、水蛇形的女人体，看起来不象一个人而更象是一座新艺术风格的台灯；而右边前景的一对拥抱、热吻的情人，则似乎是共有着一个头部。画中的色彩也得到厂自由而简化的运用。画家将自然物象杂芜的色彩进行高纯度提炼，并将平涂的色块根据某种内在的需要进行组合、对比，使之产生音乐般的节奏。画中纯净而明亮的色彩，表现出画家的精神世界与自然的内在和谐。《生命的愉悦》清晰地体现出马蒂斯的“野兽”特性。远景是深蓝色大海，海滩和草地上点缀着摆出各种姿势的人体。马蒂斯舍弃了对形体的繁琐刻画，放弃了明暗和体积的塑造，所有形体都以平涂的色面和流畅的曲线来表现。因为在他看来，绘画就应该是在平面上有韵律地安排线条和色彩。最重要的意义，是史诗性。这幅画深至的，是从安格尔到提香，从文艺复兴到新古典主义，从过去到今天，再到被“打翻了油漆的野兽”。
因为这幅画，我记住了一句名言:
我画的裸体最可爱。
马蒂斯《生命的愉悦》
1906年，毕加索在《生命的愉悦》前沉默了。
他是能看懂马蒂斯的极少数的人。这个从不安分的怪物，一年多没有话语。他沉默了：不可思议，野兽竟否定了保罗·希涅克的点彩？当时，只有极少数的人，才知道马蒂斯看到了什么。应当彻底告别“玫瑰”，安安分分地重新思考问题。他认真省视1850，从野兽的发源地处寻找新大陆。他说：“塞尚就好像是我们画家们的父亲。”儿子，终于从父亲眼中看到了一个选择：必须彻底否定文艺复兴以来三度空间为主要目的的绘画法则，让艺术有——
几何、平面、立体。
1907年，一幅叫《亚威农的少女》的时代开始了，立体——断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”
毕加索《亚威农的少女》
面对历史，塞尚.马蒂斯、毕加索，用自己的故事，讲述了艺术的选择.在《泉》之后，他们三幅划时代的人体，确实不同以往。共性，是不再为自然造像，而是写意心像。
结构、色彩、立体，表现的是人体之上的灵魂一一作为人体的精神象性。
从此，艺术的定向，有了新的眼睛。
评论
还可以输入 1000个字符
提交
全部评论（9999）
新闻排行
最新推荐
ICP证：川B2-20100078 蜀ICP备12005462号-1 网络文化经营许可证:川网文(2020)1637-315号 美网艺术网法律顾问：四川汇韬律师事务所 律师：何茂雄 | 广告合作联系电话:18982239200 美网艺术网咨询热线：座机028-87788783-18 手机18982239200 邮箱1985911744@qq.com Copyright Reserved 2000-2021 CNMEIW.COM 
川公网安备 51019002000208号
微信订阅号
微信服务号
中国美网APP