美的选择范畴：艺术的定向

美 的 选 择

范畴：艺术的定向

（陈雨光美学专著）

陈雨光

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第十届全国美展优秀作品获奖画家 李蒸蒸《重彩工笔设色·陈雨光先生》65×53cm

陈雨光（憨牛），农历1949年生。选择美学与中国画视错觉学说创始人。先后获得过十余项省部委级科研成果奖（包括国家级课题）。在经济、数学、计算机、美学、哲学、逻辑等跨学科领域，出版有十数部专著，发表有数百万字论文。其主要艺术哲学类代表著有《美的选择》、《视错觉：中国画的基本格局》；书画鉴评本《唐诗三百首书画集》、《宋词三百首书画集》、《元曲三百首书画集》、《中国当代花鸟画作品精选》、《中国当代工笔画作品精选》；策划组织了《中国画三百家》。

《美的选择》作者集数十年努力，首次在国内从艺术哲学的角度，对中国画学科体系的确立做出了两大基础性探索：第一，定义且回答了“何为中国画”，揭示了“察觉不到光线作用的绘画法则”。第二，创立了以视错觉动向力发生学为内核的选择美学，从整体论的范畴论出发，定义且回答了“何为美”。

著作者是至今唯一耗时八年、约集了三百多书画名家，编写出版了填补空白的书画鉴赏版《唐诗、宋词、元曲三百首书画集》的诗评鉴赏家。

基于当代艺术家的深度交谊和研究，著作者在珍藏的《元曲三百首书画集》中，共获得百多位专业画家的大力支持，并收到了310幅精心创意的绘画原作。现今，许多书画大家己故世。随日时移，这部著作中的创作真迹和笔墨文范，己成为理解艺术的无法再获的瑰宝，尤其数次展览所引起的轰动，更证明，作为国粹的“诗词曲/书画文”的超越时空的神圣的崇高。

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美的选择 · 范畴：定向

（陈雨光美学专著）

目录

一、眼睛中的思想

二、知觉动向力

三、性知觉

四、精神象性

五、整体的特殊

范畴:复为实之虚一一复(实/虚)

                      ——我的认知

如果问，什么是艺术的第一范畴，我坚定地回答：定向。

自然，会引起疑惑。这个概念，至今没人进行过系统研究、并成为整体论教课书，你，凭什么重视，定为基础，且排列笫一？

这本身就是极大的兴趣。

我在《美的选择》的研究中，首先，感兴趣的是艺术的眼晴。因为，创意到底是眼睛的思想？还是思想的眼睛——是看的艺术，还是想的艺术？

达芬奇

目今的理性，认为是思想的眼晴。看，伟大的达芬奇，有伟大的大脑。

太对了！有思想人的眼晴是与众不同。可问题在于，与众不同的思想，是怎样通过知觉产生的？为什么达芬奇能把造像艺术化，你不能？

当代知觉心理研究实验，己证明，不同于一般的对好奇感有兴趣的视知觉捕捉力，是创意的前提——逻辑必要。这一条件的充要性，是眼晴对“奇”的偏好，即眼睛的发现力一一艺术的选择——能捕捉奇异。之所以达芬奇特殊，根本在于他对“独特与殊异”有选择能力，他能艺术地看到 “与众不同”。我一直说，艺术品的属性，是能创意艺术的陌生——与众不同。伟大的陌生是意想不到的伟大发现，是眼晴能够捕捉殊异的“伟大思想”。应该深思：为什么达芬奇看到了，你却视盲。

艺术看到了什么？

这才是美的选择要回答的核心问题。

布鲁内莱斯基 通过暗室小孔成像作画

发現是黑暗处对闪烁的捕捉。

艺术的文明揭示，古远的造像往往发生在黑暗的岩洞中，并且在深不可视的位置，这些图像显然不是为了美感，而是为了把现实记录下来的神圣。

这种对真实进行摹仿的视知觉活动，让后来的人们，需要打着火把，排着队，才能闪烁式地观赏。观赏者或多或少有迷惑：为什么发生于远古的真实性摹仿有让人惊喜的能力。人们好奇: 欣赏者看到了什么？造像者又看到了什么？

在人类居住的地球上，一个洞穴的造像，与另个洞穴的造像，在人类慢慢成熟的视知觉中开始分化，这个和那个图像明显的不一样。个性化突显后，对摹仿真实的知觉感应，也变得有了类别的概念，这个或那个摹仿真实的能力，变成熟习记忆的能力，艺术开始区分时期、地域、社会和个人。

个性化出现，是艺术从记事摹仿中独立的标志。当图像独立地走上艺术的舞台时，家庭，特别是私有制出现后，艺术家的名片——造像——成了毫无使用价值的价值，居室的空间，主人公有意识地在特别的地方，放置这类只有欣赏价值的艺术家的创意，后来这种创意又用来标志城邦和社会空间。我们今天看到的文明，就是这类一步一步的脚印。

把一个在特别空间发现的造像，安置在特别的位置，是人眼的有目的的选择——眼睛的思想。由此引发了重要概念：艺术的眼睛看到了什么？

方向、位置、空间、价值、目的。

如果说整体论的范畴，从艺术的“完形”开始，任何完形的创意，都离不开眼睛对图像的第一选择力——定向。

一、眼睛中的思想

从世界艺术史发生角度看，古希腊和后来的文艺复兴，一些伟大的艺术家，通过数学的觉醒，己能把造像的努力，逼近到，在平面中，可以乱人眼目的立体真实程度。

艺术视觉发现了二度中摹仿的三度。

这是奇幻。要把立体的现实感，完全地投射到一个平面的纸框中，并有等同的辩识意义，目今，只有人类的双眼能够创意这种错觉。不过，人类从迈出第一步起，经历的努力已数万年。

下面的图画，是获第七届全国美展银奖的著名艺术家李茀莘教授的创意。构图要还原的是方型建筑。有趣的就在这里。双眼看到的现实框形，在平面中如何表现？注意，我使用的词是表现。

画法投影的探索

请注意细节，投影方型，并不是直角平行线，而是整体视移变调。在二度平面中，试图用直角平移线，还原等方，是根本不可能的。画法几何的数理性有自身的投影逻辑。

同样的问题，看看李茀莘的想法。他是新中国培养出的第二代有专业素养的艺术家。他的素养表现在受教的系统性。素描的基础意义，在他这一代，第一次代表“教纲”的决定意义。中国画，在他毕业时，也刚完成二万五千里写生实践。所以，他的造型，有代表性。需要引起分析的第一层面，是他使用的空间投影与丢勤的不同与相同。

儿童要表现这一空间——想象人类的幼稚期，无疑，十分困难。因为二度中的三度，要摹仿等同，在人类幼稚期是不可能的。解决问题的曙光，是发现作为背景建筑空间的表现力——看的角度——定向。在乔尔乔内时代，人眼发现了一种定向技能——透视。丢勒是第一个把绘画与数理联系起来的艺术家，用相机框孔原理，解析了几何投射理论。18世纪的蒙许，用投影法，实现了空间位置作图法则，直角几何关系，第一次数学化了人眼看视的科学一一范畴——透视。我们至今引用的空气透视，就是伟大达芬奇的遗产。没有上述几位几百年的理论探索，人类要想完成二度中三度的真实，绝对是不可能的。

奥古斯都故居壁画，公元前三十年

如果说艺术的眼睛科学，是透视，没有一点问题。但要说艺术生来就有科学视知原理，就大错特错。因为，在视觉数理化之前，眼睛看到的是空间的四大属性一一

缩短、变色、模糊和消失。

不同的艺术，有不同的看，两千多年前的埃及，等长与拼贴，是一种看的思想，两千多年前的华夏，平移与重迭，也是一种看的思想。这些思想与几何投射焦点原理明显不同。

这就是隐藏在双眼后面的被称作思想的特殊性与决定性。艺术史上���同风格的演义，反复验证了“有个性想法”对风格的支撑作用。

风格是看的想法公式。在《美的选择》第一卷，讨论的绘画编码系统，实际上就是用一种“信号符”的逻辑串，用步步程序，将呈相的过程推理化。到了透视的数理化阶段，造型己成了命题逻辑的呈相证明，中世纪出现的神奇的造像表现力，在当今，己是作为大学分支的教科书。

科学是思想吗？如果毫无异议，视知觉表现力的科学有思想，就成为眼睛背后隐藏的明确。只是，这种思想，还需要用科学精神进一步发现。因为当今世界三大表现系统，古西腊、古埃及、古华夏，在面对同一造型空间时，表现力的呈相是完全不一致的。

埃及壁画

似乎，世界艺术史至今尚没有完结表现力的统一，双眼背后隐藏的是“有个性的想法”——各自的玩意。这个现实，把问题复杂化隐蔽化，似乎眼睛沒有思想，绘画只是灵感，不需要科学逻辑。

但真实，是这样吗？绝对不是。

还是以李茀莘的图画为例，李茀莘要表现的不仅是楼庭月空的几何关系，更是青楼怨曲。出身歌妓的刘燕歌，一声[太常引]，唱出多少春残。见文：

故人别我出阳关，

一声杜宇，

第一夜相思泪弹。

李茀莘《元曲三百首书画集·刘燕歌[太常引]》66×65cm(憨牛居藏珍）

这首《饯齐参议回山东》，曲意一出，便脍炙人口，题材虽老，由于吐自歌妓，颇有一新的耳目。构式着意于独守空楼、翘首明月、形影相吊、潸然泪雨的别样滋味，让人体悟青楼薄幸的深层与含义。

艺术的双眼，该看到什么？

青楼空间，别样兹味。

对于造像:空楼、明月、吊影、潸然，是情感空间，可情感空间是意境，意境不是实体，是没有实体的心观。怎样表现？

明月、小楼、泪弹——中国式的诗意空间。

诗能画出来吗？

这就是中国画，中国式的看，就是李茀莘需面对的，那一眼看不透的层面。

若西画，思想的逻辑，眼睛看到的是一一地平线、高光、阴影——角色。

而中国画，思想的逻辑，眼睛看到的是诸如[太常引]的心境距离：人去、楼空、春残、寂寞一一今古别离难。

不同文明，对空间真实性的理解，完全不同。说明，看的方式不同，思想表现也就不同。古希腊的透视，古埃及的拼贴，古华夏的重迭，都是眼晴有思想的范畴。当然，区别是明显的。与文艺复兴的数学觉醒不同，华夏的空间思想不是"地平线、高光、阴影"，而是作为概念的关系一一远近、亲疏、有无、轻重、高低。

眼睛中的思想，无论数理化的透视，还是视域化的拼贴，或是概念化的意象，都是不同文明造像的观念体系，都是眼睛中的思想。

定向的思想性，表现为眼力对特殊的陌生价值的寻找、发现与抓住——捕捉。

这很类似于山洞中瞬间的闪烁。艺术最有价值的是对这类陌生特殊性的表现与强调。图像是有目的的创意行为，捕捉陌生、发现与众不同，且引起欣赏，关键是理解特殊。

《光影中的家室空间》，是对优美的定向——表现温馨，强调和谐。捕捉的，是理念的性知觉。宜人的暖调，不同于冷光投射。这是新古典主义的范式，追求理性的静谧和肃穆。柔和的明暗关系，人物和灯光自然交融，她不张显个性，强调温馨的和谐，用极美极简的色调，表现家的公式主义的理想，她在睡梦中的美，是家室和谐宁静温暖的一首咏叹，是高贵的梦中情思。也许，这是共有理性对家的理解。

女性裸体在家的感觉，具有人文的社会性。她不是《睡着的维娜斯》，不是古典主义权力的标注，不是圣歌，她就是一个出浴后家的享受，追求人体与家视空间的永恒。艺术的家普通的真实，不求浪漫，向往平常，她似乎流着古典的芬香，但她只是每个家庭中的情感，纯真、雅致、简捷，多少有些高贵的气质。

她美吗？

诗一样的美——众里寻他千百度，暮然回首，那人却在，灯火阑珊处。

如果画面生出诗意，画家就有了创意的价值。艺术关心的是，画家捕捉的是诗，可诗怎样表现呢？或者说，画家此时应当看到什么？

我想起莱奥纳多早期曾发表过的一篇论文，探讨，如何正确表现“羞怯和充满敬意”的概念。他的大概思想是，造像应像舞台，形象要能恰如其分地被技法表现在舞台上，成为符合概念的造型。就是讲，艺术的捕捉不是别的，是能表现概念的技法变调——技术移情。用现代的话理解，科学方法是表现能力的保障。

贡布里希有句名言：“生活情境的真实再现并不产生于简单的摹仿，而产生于对概念传统或图像传统的调整。” 我理解他是在讲，概念传统造像是在用语言——造型技法——表现，让观者能够产生真实同类概念体验的艺术强调，目的，就是用镜像“变换”真实。

很明显，艺术的眼睛此时要捕捉的，是把概念能够表现出的技法，即用“本事”把优雅的宁静概念做为造型的強调。

《早晨的芭蕾》是我特别喜欢的女人体。优雅的芭蕾裸女，在晨光中试姿。她艺术地强调了什么，让欣赏的双眼尤为叹息：形体、青春、健美、高雅。都是！但她的肌肤在定向光照射下的微妙变幻，更是艺术的向住。透视中的变调，被淋漓尽致地表现在光感强调的“球状卡玛分布”的灰度中，艺术定向的“和谐与均衡”，是终极思考。芭蕾健、柔、雅、力的青春像，是想象的一切，虽然没有舞姿，没有表情，没有展露，只有晨光中黑与白的生命碰撞与绽放，她，合(正/反)的范畴演绎，逻辑了美的全部证求。

从定向角度讲，女模常见。一般的摹仿造像，并不会让人产生陌生感——性知觉，所以很难艺术。但芭蕾女把欣赏抓住的是作为特征的象征。臀部聚光灯凸显高光的亮部，暗部则成为性知觉的无尽推猜，以使姿态县有了特殊的表情，艺术在黑白闪光聚集下，似乎看到了天使。每个女人都有的臀部，在此具有了陌生的知觉感——芭蕾的优雅感。关键是，艺术的眼睛捕捉到的女性臀部是从未见过的陌生的吸引力。

她美吗？

诗一样的美——只量钿尺认腰支，那有春风见面时。

早晨的芭蕾

定向捕捉，在黑白照的女人臀部，发现的艺术趣味，实在是不简单的范式，“细尺认腰”的技术心理，诞生了人类又一重要的定向范式——素描。

1435年，一位名叫莱昂·巴蒂斯特·阿尔伯蒂的诗人、画家、音乐家、建筑家、科学家，发表了一部至今仍为殿堂级的教科书——《绘画论》，第一次从理论上把素描定立为基础，从而确立了几何数理造型范式。主张人的本体就是价值与尊严，几何的理想比例就是美。

从这一天开始，人类在探讨摹仿的“真实路上，开始了料学的几何数理化一一轮廊、构图、明暗，视角、体面、位置，是造像的基本关系。我在《调子：仍未被笔墨接受的教科基础》一文中写了这样一句话：

物体在受光情况下所显现出来的是素描因素。

阿尔伯蒂提出的和谐、优雅、逼真的视觉感受，是对孤立技法派的批判，眼中的思想一一视觉感受，才是艺术的尊严。

俄罗斯美术教育家，巴维尔·彼得罗维奇·契斯恰科夫，把向光、顺光、背光、反光和高光，定义为造型的五调子，并立论为整个造型艺术的基础。视觉感受的本体，哲学为球面体光谱变调的几何完型。

艺术至此成为视觉感受的光学与数理科学。

我很幸运，历经四十年的努力，终于在今天，能够写出足以安慰我探索的这样不简单的一句话：

眼睛中的视知觉思想，成为艺术在光感作用下的素描变调。

性知觉的光普发现，让《早晨的芭蕾》，成为球面体几何变调的艺术。这就是我特别喜欢她的价值所在，她的美，让眼睛看到了素描化的单纯。

徐悲鸿也曾描绘过女性的臀部，同样难忘，同样和谐优雅。在当今中国，仍是无人超越的经典。遗憾的是，这是一幅素描，没使用中国的毛笔。

论造型，论球面体造型，在宣纸上，用毛笔，实在没有成功的示例。徐氐体系的意义，是第一次把素描定为中国画的教科书。这是千百年来中国画的第一大变局。在徐氏努力下，素描与笔墨开始教学式的融和，宣纸上“皴擦的类调子”成为探索的主流。遗憾的是，没有形成与西方谈经辩道的本钱，用拿来的一半，装自己的门面，引发国人许多口水。

但有一个意义是深远的，即写生。

对于中国画是多义的，但对绘画科学却是明确的：写生是发现陌生的素描创意，即自然的素描。对于中国画，写生侧重的不是投射光的球面分布，而是空间透视。人物、山水、花鸟，都因此巨变。石鲁的《转战陝北》，黄胄的《洪荒风雪》，岑学恭的《木筏》，特别是傅抱石与关山月的《江山如此多娇》，中国画，展示了时代的中国气度。

西方写生，关注的重点是舞台的戏剧性。舞台的戏剧性是古希腊的传统，西方造像艺术一直保留这一传统。因此，艺术的定向，本质上是对“角色”的发现，莱奥纳多的表现概念的观点，准确地理解是"造像角色”，即从艺术角度，把角色所体现的举止、责任、权力、义务等特征呈相出来。背景是这一特征的关系——社会政治经济军事文化家庭一一缩影。角色与背景，构成了理解西方造像运动的脉动。

中国画的写生运动，主体于付抱石的二万三千里“长征”，他更多是用透视来改造中国画.其实，上世纪五十年代，新中国开元的艺术家，己用画笔打响了新中国画的枪声。

虽然素描写生来于西词，但东方的视角，定向的并不是角色，而是传统的意境空间。这在改造中国画的运动中，己充分展现。

好奇的双眼，让艺术问，中国画在优雅的女人体前，能看到什么？

这是一个至今无法回答的问题，因为，我指出，中国画的法则，是

察觉不到光线作用的绘画法则。

徐悲鸿

回到徐悲鸿问题——改造中国画。

改造中国画时期的他，已离开人世。但他对球面体分布的偏爱，成为授课的基础。即使是文化大革命，毛主席也认为女人体，是教科书。

我们不探讨这一演变，只讲定向。

问题在于，中国画在球面体的灰度分布前，该怎样看？

答案是尴尬的两难。笔墨的传统是“边线+平涂”，教课的基础又是素描。

周宝军《元曲三百首书画集·钟嗣成〔风〕》69×68cm（憨牛居藏珍）

我写过一篇文章，《当中国笔墨触摸女人体》，提出一个范畴：

静止的模特与运动的眼睛。

实质上是范畴：

恒(动/静)

艺术定向的核心冲突，是：

静止的图像和运动的眼睛。

这就是我一直设问的：同一定向前为何没有相同的图像。类同莱布尼兹命题：同棵大树中没有相同的树叶。

有趣的吸引就在于此：定向呈示的眼睛中的思想，是对陌生价值的捕捉力，魅力在于，同一静止图像因会运动的眼睛县有了视知觉的非一致性——有个性的组织力。

致敬：中国第一位裸体女模，将圣洁的人体献给艺术的 陈晓君

在列举优美的范畴时，我指出，性知觉的复杂性，使优美的问题无法简单化，一个优美的女模特，女生笔下的概念与男生笔下的概念，应该区别明显，即使男生与男生，“情感信号”的反射也不一样，生理、心理、追求、技法、理念，都是影响定向的可变因素，加之概念性的模糊边际，目标多义性成为恒常，对定向表现的本身，就成为不同价值取向的不同艺术。

最后的问题：当不同眼睛中的思想，把不同的看的艺术呈相出来时，我们看到的表现，也永远只能是对一瞬间的捕捉。

这一瞬间也只能抓住艺术看到的作为特征的一瞬间的象征。

定向是眼睛有思想的捕捉，陌生性对思想组织的一瞬间价值发现能力，因个性不同，抓住点也就不同。此时，表现力的思想，到底看到了什么？

眼睛在问：

面对展现圣洁的陈晓君，你，该怎样表现？

吴耀伟表现的《女人体》，你，又能让艺术发现什么？

吴耀伟《女人体》74×84cm（憨牛居藏珍）

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