法中求变 象外取意——陈伟明的花鸟画

陈伟明

对于当代中国画家而言,最重要的是——在既定的法度中脱颖而出,以自己的眼睛观察世界,用自己的话语表现世界，使自己的艺术更个性化,更具情感的真诚性,并在与周围世界的交流与沟通中,提取与之对应的符号意象,取其意写之,以“意到笔不到”的方式，抒情表意。

陈伟明近年创作的取向,尤其表明了这一点。他的作品给人以耳目一新之感,其中,透出他和平、睿智、敏感与勤勉;作品表明,他努力于写意花鸟与工笔花鸟两大课题,有时则在工写兼具的交融中，使作品的内蕴获得最充分的表现,并增加了形式与语言的多样性与丰富性。

在金陵印象系列中的《残·生》、秋槐系列中的《故园秋槐》,以及《芦塘晨曦》、《羊溪怀古》、《玉妃清梦暗香飞》等作品中,尤其见出陈伟明对自然的敏锐感觉,以及瞬间印象的捕捉能力,而且，他极善于符号与语言的归纳;作为工笔画,陈伟明属于“工而不工”一路,汲取了小写意的双钩、没骨等手法，融入工笔画之中,在“三矾九染”的过程中，他力避因技术的过程而出现的死板与僵化,在渲染中，我们看到,他较好地把握着浓淡、轻重的分寸，以体现笔下意象的精气神;譬如,《残·生》、《故园秋槐》等，都不难看到画家的精到把握与处理,画家刻划的“八角金盘”意在突出“残·生”的寓意,叶片与叶片之间,虽然是互相掩映，互为疏密,却因为浓淡色彩的层次，而显示出郁勃的生机,画家着意营造了“欲残还生”的顽强生命力。

由此可见，绘画的关键在于，画家能从寻常自然现象中发现并提取感性生动的生命形式，而陈伟明的上述作品，正是在此基础上，显示了他的卓越能力。

依我看,在传统与创新中,陈伟明从传统出发,把传统作为基点,而不是目的，传统对他而言只是一种物质与精神的资源，并被他在创作中运用得不露痕迹;另外一点，则是他以慧眼与慧心去深入生活、感受生活、发现生活，再做删繁就简、去粗取精的加工，并据此去组织画面的虚实关系、空间处理、墨色分布，以及形象夸张、变形的程度，使作品在保留自然生命的清新、鲜活中,成为一种艺术形式与语言的表达，进而展示为“以技入境”的理想境界，如《故园秋槐》、《槐下对语》等。

这些作品，无疑,都来自于生动的现实生活,但又不圄于现实生活，它们是画家诗意情感的抒发。

陈伟明花鸟画的特点是,把握画的总体气势,精微处理局部意象,足见他作画态度的认真与严谨。《残·生》中“八角金盘”枝叶婆娑的动态，花果与叶片之间的对比关系，以及左下角池塘一隅嬉水的鸳鸯，都是在“致广大与尽精微”的统一中,在一种生命活力的体现中，给人以审美享受。《故园秋槐》、《槐下对语》等，都是用笔精致、用色淡雅之作，尽管如此，都不失气韵的生动性。

陈伟明的小写意花鸟画，得益于其工笔画的根基，在不失章法与谨严中,又不乏随意与自由，这使他的写意花鸟画自成一格,不但赏心悦目,还明媚清新。

《秋韵》、《生生不息》、《夜来秋露重颗颗尽含珠》、《梅林暗香》等作品，均体现为写意原则下的笔墨演绎,在笔笔见笔中，笔墨得到较好的发挥，特别是湿笔的运用，使画面溢满淋漓的元气，画家在笔法、墨法、水法的运用中,互为因果，用笔注意节奏、韵律、力度，用墨注意浓淡、干湿的变化，其中,画家绝少运用枯笔焦墨,而在水法的运用中,则以浓破淡、淡破浓、水破墨、墨破水的方法，营造氤氲的水墨之境,在清新隽永的画面中,让人感受到墨气、墨象与墨韵。

重要的是，陈伟明在有法中，渐渐积淀与脱颖出自己之法,以表达自我对自然的由衷理解和感受，可以说，一片墨色就是一片心境,一枝一叶都关乎着情怀。

在中国画创作中，一些人误入“技术主义”的误区不能自拔，他们口口声声“笔墨为上”，却丝毫不见其笔墨的品格与质量，所画作品难脱俗气。而陈伟明却在“以技入境”中，锤炼自己的笔墨，并于其中承载着精神与文化的底蕴，真正使自己的笔墨达到品质的高度，使笔墨笼罩上诗性的色泽，并显示出“骨法用笔、气韵生动”的优势与魅力。

陈伟明是努力的,在艺术之旅中，他“只问耕耘，不问收获”的态度，为他的艺术带来了充实，他开始收获了硕果，这是可喜的。

(徐恩存，著名美术评论家。《中国美术》杂志主编，南开大学历史系博士生导师)。

2009年10月于北京